在今天的“走进圣殿”栏目中，我们接着来谈音乐要素中的调式调性问题。

调式，我们上次节目已经说过了，它是音列的结构形式。音阶中各音的不同排列方式，不同的相互关系，就构成了不同的调式。

什么是调性呢？它是指各个调式的主音所在位置。比如A大调，大调是它的结构，A则是说主音在A这个音高位置上，它后面的第二个音，就在B上，第三个音在﹟C上，以此类推，又比如a小调，主音在a上，第二个音在b上，第三个音在c上，它与A大调的区别之一是在于A大调的第三个音是﹟C，a小调的第三个音是C。由此可以看出，主音位置相同，后面各音的关系不同，就形成了两个调式，A大调和a小调。

假设都是大调，如果主音的音高位置不同，会对音乐产生很大的影响吗？比如A大调和B大调，后者与前者的音阶结构形式是一样的，只是整体提高了一个台阶而已，它们有什么不同呢？其实我们对这件事都能理解，并且常常使用这种将调性提高或降低的做法，比如大家唱歌，起头的人起得太高了，大家会说，起低一点，这就是将同一个调式的歌曲换了一个调性。

大歌唱家也会有这种情况的。在某些歌剧作品中，个别咏叹调的音域写得很高，当歌唱家感到难以胜任的时候，就会采用降一个调的办法，这一点差距外行人往往觉察不出来。而另一种办法就比较令人遗憾了，这就是调性不变，而把那个人人都期望听到的高音躲开去不唱。这会使听者对歌唱者立即“低看一筹”，所以歌唱家往往会采取整体降低一个调的办法来蒙混过去。

我们在以前谈到过音区这个要素，曾说各个音区也有它独特的表现意义。高音区明亮，低音区深沉，中音区比较适中、比较柔和。这种感觉和语言有关，和人的生理也有关。比如歌唱家在很高的音区歌唱时，你的喉头会不自觉地提升，甚至呼吸也会变得急促起来。听器乐作品也是如此，只是你自己不察觉罢了。假如一条旋律现在D大调上演奏，第二次提高到A大调上，你肯定会感觉到音区的变化使这条旋律有了新的意味。

现在让我们来听一段音乐。舒伯特的歌曲《野玫瑰》。我们听两个版本，一是由男中音在E大调上演唱的，一是由男高音在高小三度的G大调上演唱的，这调性的变化当然是因歌唱家的声音决定的，男高音的音域要高于男中音，如果要他用E大调来唱，就太难受而不能发挥他特有的音色美了。我们先来听男中音的这一首，演唱者是费舍尔-迪斯考。您可以轻声地跟着唱，以体会不同音区造成的感觉。

[ 《野玫瑰》男中音费舍尔-迪斯考演唱 ]

接下来请听男高音翁德里奇演唱的同一首歌。请注意，调性比原来提高了小三度，是在G大调上，其男高音明亮的音色就展示出来了

[ 《野玫瑰》男高音翁德里奇演唱 ]

一首歌采用了两种不同的人声种类，不同的调性，你有没有感觉到它们色彩上的不同？前者浑厚，后者明亮，这是很明显的。

除了音区与调性之间的关系会产生音乐效果的变化以外，乐器性能也会影响音乐效果。铜管乐器由于特殊的构造和泛音，它吹奏带有降号的调比较容易，比较好听，如降B、降E调等等，而弦乐则更喜欢带升号的调，如D、A、E调。作曲家在写器乐曲时，选择调性是一定会考虑到乐器性能的。

有趣的是作曲家们常常有纯属于个人的对调性的感觉。有人一写到忧伤的音乐，就要用降号多的调，而写到明朗单纯的音乐，C大调或G大调之类的就常常是首选，甚至还有人认为各个调都有不同的颜色，有红的、蓝的、绿的、白的等等。这种感觉太微妙了，不是专业搞音乐的一般来说不会有这种感觉。 在一部大型的作品中，作曲家往往要使用多个调式调性，以造成音乐色彩的变化。这就是“转调”。让我们来听一段转调手法用得很好的小曲，格里格的管弦乐组曲《培尔.金特》中的“朝景”。这是一段描绘沙漠日出的小曲，作曲家只用了一条旋律，却构成了绚烂多彩的画面，从天际刚刚发白，到太阳渐渐升起，最后照亮了大地，转调起到了极好的作用。一开始是E大调，然后转到﹟G大调，B大调，又转到F大调，c小调，D大调等等，最后又回到了开始的E大调，这最后的“调性回归”是为了让音乐更加统一，更加稳定。

[ 《培尔.金特》中的“朝景” ]

在刚才这首“朝景”中你是否体会到了转调的作用？或者说，是否联想到了大自然那奇妙的、令人激动的变化？假如对第一个问题您的回答是否定的，第二个问题则是肯定的，那么你就很可以满意了，因为作曲家并不想告诉你：我转调了，我又转调了……他只想让你从音乐中去想象沙漠日出的奇妙，景色的变幻无穷。所以还是这句话，作为音乐欣赏者，不懂调式调性理论，没有太大的妨碍，您可千万别让这些理论给吓住了。但作为作曲者、指挥者、表演者，不懂这些理论，是根本行不通的。

好，今天就聊到这儿，再会。